論文構成

July 6, 2026  

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身体はどのように見られてしまうのか
― 写真史における身体表象の変遷と自身の制作実践を通して ―

 

はじめに

写真は単に現実を記録するメディアではなく、「見ること」のあり方そのものを形成してきたメディアでもある。私たちは写真を通して身体を認識し、その認識は時代や社会、文化的背景によって大きく変化してきた。

西洋美術において裸体は長らく神話や宗教、美の理想を表現するための主題として描かれてきた。しかし十九世紀になると、ギュスターヴ・クールベの《世界の起源》に代表されるように、身体は理想化された象徴ではなく、現実の身体として提示されるようになる。この変化は、近代写真の誕生とともにさらに加速した。

写真は身体を大量に複製し、流通させることを可能にした。その結果、身体は記録される対象であるだけでなく、鑑賞され、消費される対象へと変化していく。十九世紀フランスではポルノ写真が広く流通し、身体は商品として扱われるようになった。このような歴史の中で、「男性の視線（Male Gaze）」という身体を見る構造も形成されていった。

一方で、写真史には身体を欲望の対象としてではなく、新しい視点から捉えようとした写真家も数多く存在する。新即物主義の写真家であるEdward WestonやKarl Blossfeldt、Imogen Cunninghamは、植物や人体を極めて客観的な視点で撮影し、身体を生命や形態として提示した。また二十世紀以降にはRobert Mapplethorpe、Helmut Newton、David Hamilton、Sarah Moonなど、それぞれ異なる写真言語によって身体表現を展開している。

本研究では、このような写真史における身体表象の変遷を整理し、それぞれの時代において身体がどのように見られてきたのかを考察する。その上で、自身の制作実践を通して、身体を「見られる対象」としてではなく、「感知される経験」として提示する可能性について検討することを目的とする。

 

第一章　近代写真の誕生と身体表象の形成

1-1　絵画における裸体表現と身体観

写真が誕生する以前、西洋美術における裸体は神話や宗教を主題として描かれてきた。古代ギリシャ以来、裸体は理想的な人体比率や精神性、美の象徴として理解されており、現実の身体そのものを表現することが目的ではなかった。

ルネサンス以降も裸体は芸術作品の重要な主題であり続けたが、多くの場合、神話や宗教的物語の中に位置づけられていた。そのため裸体は個人の身体ではなく、理想化された身体像として提示されていたのである。

この時代の身体は「見る対象」でありながらも、芸術的・宗教的価値によって正当化されていたと言える。

1-2　《世界の起源》に見る近代的身体観の転換

十九世紀になると、ギュスターヴ・クールベは《世界の起源》（1866）を制作した。

この作品では神話や宗教といった物語性は排除され、女性の身体そのものが画面の中心となっている。

教授が繰り返し指摘しているように、この作品の重要性は裸体を描いたことではなく、「現実の身体」を直接提示した点にある。

ここで身体は理想や象徴ではなく、一人の人間の身体として鑑賞者の前に現れる。

この変化は近代における身体観の大きな転換であり、その後の写真表現にも大きな影響を与えた。

1-3　写真の誕生と身体イメージの流通

十九世紀に写真技術が発明されると、身体はこれまで以上に容易に記録されるようになった。

写真は絵画とは異なり、同じイメージを大量に複製できるという特徴を持つ。そのため身体イメージは新聞や雑誌、広告などを通して広く流通し、人々の日常に浸透していった。

また十九世紀フランスではポルノ写真が大量に制作され、身体は商品として消費されるようになる。

このような写真文化の発展は、Laura Mulvey が提唱した「Male Gaze（男性の視線）」へとつながる身体の視覚構造を形成していった。

写真は身体を単に記録するだけではなく、「どのように見るのか」という視覚的な枠組みそのものを社会の中に定着させたのである。

 

第二章　写真史における身体表象の変遷

2-1　ヴァイマル時代と新即物主義

二十世紀初頭、第一次世界大戦後のドイツでは、社会構造や価値観が大きく変化した。ヴァイマル共和国では産業の発展や都市化が急速に進み、芸術においても感情や装飾よりも客観性や合理性を重視する傾向が強まった。このような社会背景の中で生まれた写真表現が、新即物主義（Neue Sachlichkeit）である。

新即物主義の写真は、対象をできる限り客観的に記録することを特徴としている。柔らかな演出や感情表現ではなく、高い解像度、シャープな描写、均質な光によって、対象そのものの構造や質感を明らかにしようとした。

この時代には身体文化やヌーディズム運動も広がり、身体は健康や生命の象徴として再評価されていた。そのため裸体は必ずしも性的な対象ではなく、人間という存在そのものを表現する手段として扱われるようになる。

このような視点は、本研究においても重要な意味を持つ。身体は常に性的な意味を持つのではなく、写真の見せ方によってその意味は大きく変化することが、新即物主義の作品から読み取ることができる。

 

2-2　Edward Weston における身体と生命感

新即物主義を代表する写真家の一人であるEdward Westonは、人体だけでなく、植物や貝殻、野菜などの日常的な対象を数多く撮影した。

代表作である《Pepper》シリーズでは、一つのピーマンを人体のような曲線を持つ生命体として撮影している。しかし、それは人体を模倣した作品ではなく、対象そのものが持つ形態や生命力を引き出そうとする試みであった。

Westonの写真では、被写体は極めてシャープに描写され、余計な背景や演出は排除されている。その結果、見る者は対象を性的なイメージではなく、一つの生命として認識することになる。

教授が授業で繰り返し説明していたように、《Pepper》が「セクシー」に感じられるのは、性的表現だからではない。生命の曲線や有機的な形態が身体を想起させるためである。

この考え方は、昨年度制作した《Soft Territories》にも大きく関係している。植物は身体ではない。しかし、その形態や質感によって身体感覚を想起させることができる。この経験は、自身の研究テーマである「身体はどのように見られてしまうのか」という問いにつながっている。

 

2-3　Karl Blossfeldt と Imogen Cunningham

Karl Blossfeldtもまた植物を主要な被写体として撮影した写真家である。

彼は植物を科学的資料として撮影したが、その写真は植物の構造や秩序を強調し、人間の身体とも共通するリズムを感じさせる。

植物は人体を直接表現していないにもかかわらず、その形態は自然に身体を連想させる。この点において、植物と身体との境界は決して明確ではないことが分かる。

一方、Imogen Cunninghamは植物だけでなく人体写真も多く制作した。

彼女の作品では人体は性的な対象としてではなく、一つの造形として扱われる。光と影を巧みに用いることで、身体の曲線や構造そのものを強調し、人体を自然の一部として提示している。

これらの作品は、本研究において植物と身体を連続的に捉える視点を考える上で重要な参考となっている。

 

2-4　二十世紀写真における身体表象

二十世紀に入ると、写真は広告やファッション、雑誌など多様なメディアへ広がり、身体表現も大きく変化した。

Helmut Newtonは、ファッション写真を通して身体を権力や欲望の象徴として描いた。彼の写真では女性は強く、自立した存在として描かれる一方で、見る者との関係には依然として男性の視線が存在すると考えられている。

Robert Mapplethorpeは、人体を極めて彫刻的に撮影した写真家である。光と構図を徹底的にコントロールし、身体を美しい形態として提示した。その作品には高い造形性がある一方で、身体を客観的な対象へと変換する特徴も見られる。

Nick Knightはデジタル技術やファッション写真を積極的に取り入れ、身体を商品・イメージ・デザインとして再構築した。身体は現実の肉体というよりも、視覚的な情報として消費される存在へと変化している。

これらの写真家に共通しているのは、身体そのものではなく、「身体をどのように見せるか」という写真言語を強く意識している点である。

 

 

第三章　植物から身体へ

― 自身の研究テーマの形成 ―

3-1　植物を身体のメタファーとして捉える

本研究の出発点は、昨年度制作した作品《Soft Territories》である。

《Soft Territories》では、花や果実、野菜などの植物をモチーフとし、人間の身体を直接写さずに身体感覚を喚起する写真表現を試みた。

植物は人間の身体ではない。しかし、その曲線や質感、色彩、湿度、裂け目などは、しばしば身体を連想させる要素を持っている。例えば、花弁の重なりや果実の表面、植物が朽ちていく過程などは、人間の皮膚や筋肉、生命の変化を想起させる。

制作当初は、身体を直接撮影することによって生じる性的なイメージや固定された身体観から距離を置くため、植物という非人間的な存在を選択した。しかし制作を進める中で興味を持ったのは、「植物が身体に似ている」ということではなく、「なぜ私たちは植物から身体を連想するのか」という問いであった。

つまり、身体性は対象そのものに存在するのではなく、それを見る私たちの視覚的経験の中で生まれている可能性がある。この気づきが、本研究の出発点となった。

 

3-2　写真史研究による視点の変化

昨年度の制作では、植物を身体のメタファーとして扱っていたが、その理由について十分に説明することはできなかった。

そこで今年度は、写真史における身体表象を調査し、身体がどのように表現され、どのような視覚構造の中で意味づけられてきたのかを検討した。

写真史を学ぶ中で明らかになったのは、身体の意味は身体そのものによって決まるのではなく、写真の構図、光、距離、焦点、そして時代背景など、さまざまな条件によって形成されているということである。

例えば、新即物主義では身体は生命や形態として提示され、Helmut Newtonの作品では身体は権力や欲望を象徴する存在として描かれる。また、David Hamiltonは柔焦を用いて身体を幻想的に描いたが、「見る／見られる」という関係自体は維持されている。一方、Sarah Moonでは身体は曖昧な記憶や時間の中へと溶け込み、視覚的な経験そのものが重視されている。

このように、写真史を通して身体表現を比較することで、本研究の関心は「身体をどのように撮影するか」という問題から、「身体はどのように見られてしまうのか」という視覚構造そのものへと移行した。

 

3-3　植物から人体への展開

今年度の制作では、植物だけではなく人体を撮影対象としている。

しかし、これは研究テーマを変更したわけではない。むしろ昨年度の研究を発展させるための新たな実践である。

植物を撮影していた時点では、「身体らしさ」は植物の形態から生まれるものだと考えていた。しかし写真史の研究を進める中で、身体らしさは被写体そのものではなく、写真の見せ方によって形成される可能性に気づいた。

そのため現在は、人体を直接撮影しながらも、従来のヌード写真のように身体を欲望の対象として提示することを目的としていない。

制作では、

• 光の当て方

• 撮影距離

• 身体の一部のみを写す構図

• 顔を写さない画面構成

• ピントや境界の曖昧さ

などを変化させながら撮影実験を行い、それぞれの写真が身体の印象にどのような影響を与えるのかを比較・検証している。

ここで重要なのは、「どの写真が美しいか」を評価することではなく、どのような写真言語が身体の見え方を変化させるのかを明らかにすることである。

第四章　自身の制作実践と写真表現の分析

― 写真史との比較を通して ―

4-1　制作実践

本研究では、写真史の調査と並行して、身体表現に関する撮影実験を継続的に行っている。

制作の目的は、身体そのものを美しく撮影することではなく、写真の撮影方法によって身体の見え方がどのように変化するのかを検証することである。

撮影では、同じ被写体に対して複数の方法を試し、その違いを比較しながら記録している。例えば、光の方向や強さを変えた場合、撮影距離を変えた場合、身体全体を写す場合と一部だけを写す場合など、それぞれの条件によって身体から受ける印象は大きく異なった。

また、人物の顔を画面から外す構図や、身体の一部分だけを切り取る構図も積極的に試みた。顔は人物を個人として認識させる最も重要な情報であるため、それを画面から取り除くことで、身体は個人ではなく、形態や質感として認識されやすくなることが分かった。

さらに、ピントや光、背景との距離を変化させることで、身体の境界が曖昧になる写真も制作した。これらの実験を通して、身体の意味は被写体そのものではなく、写真言語によって大きく変化することを確認した。

 

4-2　写真表現の分析

制作実験を通して、身体の見え方にはいくつかの共通した特徴が確認できた。

第一に、身体の一部のみを写すことで、身体は人物ではなく形態として認識されやすくなる。

例えば、肩や背中、腕など身体の断片を切り取ると、鑑賞者はその人物の属性よりも、曲線や光、皮膚の質感に意識を向ける傾向が見られた。この点は、Edward Westonが植物や人体を撮影した際に、対象を生命の形態として提示していた方法とも共通している。

第二に、光の使い方によって身体の意味は大きく変化する。

均一な光では身体の構造や質感が明確に現れ、客観的な印象を与える。一方、逆光や弱い光では輪郭が曖昧になり、身体は空間へ溶け込むように見える。

しかし、このような曖昧な描写は必ずしも身体の客体化を弱めるわけではない。David Hamiltonの作品が示すように、柔焦を用いても「見る／見られる」という関係が維持されていれば、身体は依然として鑑賞の対象となる。

そのため、本研究では単に写真を曖昧にすることではなく、身体をどのような距離で、どのような構図によって提示するのかを重視している。

第三に、撮影距離は身体の印象を大きく左右する。

身体全体を写した写真では人物として認識されるのに対し、接写では皮膚や質感、光の変化などが強調される。その結果、身体は個人ではなく、一つの風景や生命体のように見えることがあった。

このような視覚的な変化は、《Soft Territories》で植物を撮影した経験とも共通している。植物でも人体でも、近づいて撮影することで対象は本来の意味から離れ、純粋な形態として知覚されやすくなるのである。

 

4-3　写真史との比較

制作を進める中で、写真史との共通点と相違点がより明確になった。

新即物主義の写真家たちは、身体や植物を客観的な視点から観察し、その構造や生命感を明らかにした。本研究でも、身体を単なる性的対象ではなく、一つの生命として捉えようとする点で共通している。

一方で、David HamiltonやHelmut Newtonの作品では、身体は魅力的なイメージとして提示されることが多い。しかし、本研究では身体を魅力的に演出することよりも、身体を見るという行為そのものを問い直すことを目的としている。

また、Robert Mapplethorpeは身体を極めて完成された造形として提示したが、本研究では完成された美しさよりも、身体の曖昧さや不安定さに注目している。

さらに、Sarah Moonの写真には、身体よりも記憶や時間の感覚が強く表れている。本研究でも、身体そのものではなく、身体を取り巻く空気や距離、見ることの感覚を写真として表現することを目指している。

このように比較すると、本研究は特定の写真家の表現を模倣するものではない。写真史で蓄積されてきた身体表現を参照しながら、それぞれの写真言語を分析し、自身の制作の中で再構成することを目的としている。